Dirigida por Jonathan Glazer, La zona de interés fue la película ganadora del Óscar a la Mejor película extranjera y a Mejor sonido en 2024. Glazer ofrece una visión poco habitual del holocausto escondido de la pantalla, quedando en segundo plano para reflejar una casi bucólica vida familiar.

La zona de Interés: Sinopsis

Basada en la novela homónima de Sir Martin Louis Amis, la trama se centra en la vida del comandante del campo de concentración de Auschwitz, Rudolf Höss (Christian Friedel), su mujer Hedwig (Sandra Hüller) y sus cinco hijos, que residen a pocos metros del campo de concentración.

Con sus idas y venidas, el matrimonio vive su vida enmarcada por el trabajo de Rudolf, presentando una perturbadora comparación entre la vida de una idílica familia y los horrores que están sucediendo tras el muro, a sólo unos metros de distancia. Por medio de la despersonalización, la película hurga en la herida y explora la capacidad humana de ignorar el sufrimiento ajeno mientras se tenga una vida cómoda.

El arte de mirar hacia otro lado

Si algo llama la atención de la película, es la frialdad y el cómplice silencio de los personajes ante el horror que se está produciendo al otro lado del muro. La muerte y el sufrimiento son un monstruo invisible que se intuye tras la ventana mediante el humo de las altas chimeneas, las cenizas que impregnan la monotonía, la llegada constante de los trenes, los disparos, gritos…

La indiferencia ante la atrocidad supone una sensación de dolor dentro del espectador, que va socavando poco a poco hasta dejar un vacío yermo. La barbarie se queda en un tercer plano, oculta entre una mirada de niños inocentes que repiten los patrones de conducta que ven a su alrededor.

La normalización de lo que está sucediendo en el interior del campo de concentración, nos lleva a una insensibilización de los personajes, que deciden cerrar ventanas, correr cortinas y mirar hacia otro lado.

Detalles y simbolismos en La Zona de Interés

Los planos

Los planos fijos en tonos neutros, grises, con una cámara casi estática hace que la película parezca un documental y aporta un mayor realismo a la escena. La fijación geométrica en algunos de los planos nos retrotrae, en ocasiones, a las escenas de Kubrik. Los planos en las estancias de Berlín, por ejemplo, nos recuerdan a los largos pasillos del Overlook Hotel que Danny Torrance recorría con su triciclo.

El uso de una cámara térmica para representar la historia real de Aleksandra Bystroń-Kołodziejczyk que, clandestinamente, dejaba fruta para los prisioneros cada noche, ofrece una antítesis: La presencia del bien queda enmarcado sobre un fondo negro con la actriz brillando en la oscuridad, frente a la cotidianeidad del mal que se sucede a lo largo de la trama. Su personaje representa un destello de bondad humana que resaltan los contrastes presentes en este film.

El jardín

Del mismo modo, en las escenas del jardín se da la contraposición entre la vida y la muerte, que queda remarcado constantemente con el uso del sonido; un murmullo ambiental constante e ingrávido que nos recuerda la constante presencia de la parca blandiendo su guadaña sin parar.

Las flores y el césped sobre las que el director hace especial hincapié, crecen y llenan de colores vivos un jardín que se encuentra a pocos metros del lugar en el que se está acometiendo un genocidio. La vida se abre paso junto a la muerte. La degradación de la humanidad por medio de una percepción de supuesta normalidad, forma parte de la absoluta falta de empatía de la familia.

El muro

Una barrera física de cemento gris separa al espectador del campo de concentración y no le permite entrar. El muro es la representación de la indiferencia. La decisión de no querer ver más allá es tomada por el egoísmo de no enfrentar la realidad que sucede ante sus ojos. El genocidio no está ocurriendo en este lado de la pared. Los personajes, planos, carecen de arco narrativo. Únicamente se dedican a lidiar con los problemas propios de una convivencia familiar, habiendo normalizado e ignorado el mal que pueda acontecer al vecino.

La paleta de color

Un gris ceniza es el color predominante en toda la película. Todo está impregnado de gris, paredes, uniformes e incluso el resto de colores. Azules, rosas o marrones tienen una baja tonalidad, fruto de lo que sucede cuando se mezclan con gris. Es una evidencia más de la presencia constante de la muerte. Frente a ello, en determinadas ocasiones la familia viste de blanco, que puede representar pureza en los niños, y falta de remordimiento en adultos.

Los rojos y naranjas aparecen en las noches, como fruto del trabajo del crematorio, y se reflejan en ventanas y paredes. Curiosamente, es la madre de Hedwig, externa a la familia, quien no puede dormir por ello. Su repentina marcha de la casa, remarca su incomodidad, sabiendo que no puede continuar un segundo más allí. Teniendo en cuenta que a su llegada no le importaba este aspecto, es de remarcar, a su vez, su falta de empatía. No es el sufrimiento lo que no aguanta, sino tenerlo tan cerca. Y eso se hace latente en ella mediante la presencia del insomnio.

El final, sin spoilers, de La Zona de Interés

La sutileza del final (que no vamos a contar), ilustrada mediante las arcadas, remarca la lucha entre cuerpo y mente de Rudolf. Sabiendo que éste se encuentra en buen estado de salud tras una revisión médica producida poco antes, se hacen presente ahora la somatización de unos actos que, escondidos bajo la tela de la maquinaria política, no dejan de ser deleznables.

La conexión final con el momento actual lanza una pregunta al espectador: ¿hemos aprendido algo de la historia? Finalmente, la cámara vuelve a Rudolf, lo confronta y éste sigue su camino. Baja por una escalera hacia la oscuridad, para continuar con su trabajo y terminar en el infierno. Un último detalle sutil, sencillo y sublime de una película plagada de cromatismos, capaz de perturbar al público sin mostrar directamente nada de la infamia.

Para quien aún no haya visto la cinta, se encuentra en Movistar + y Filmin.

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